25 aniversario de Pulp Fiction en 25 curiosidades

Se cumplen 25 años desde que Pulp Fiction ganase la Palma de Oro en Cannes. Aquella primavera de 1994 el jurado presidido por Clint Eastwood dio la sorpresa premiando a un irreverente casi desconocido Quentin Tarantino, que ya había revolucionado el panorama cinematográfico indie dos años antes con su Reservoir Dogs. En aquellos años, Tarantino lo impregnó todo y los estudiantes de cine comenzaron a incluir la violencia tarantiniana en sus historias. Todos querían ser Quentin Tarantino. Que, además, tuviera el respaldo del gran premio del Festival de Cannes, le sirvió para que su obra se tomara en serio y nos diera la pista de que Tarantino se iba a convertir en un referente del cine y los jóvenes de aquella generación venerásemos sus películas de un modo un tanto irracional. Porque sí, su obra es para amarla u odiarla. Yo vi antes Pulp Fiction que Reservoir dogs, sí, yo en aquellos años estaba a tope con los colores de Kieslowsky, yo quería ser directora de cine, y reconozco que no era del club hasta que vi Pulp Fiction, retomé Reservoir dogs y me volví incondicional de Tarantino, qué le vamos a hacer.

Así que he indagado para saber un poquito más y estas son las 25 curiosidades que he elegido sobre el film que marcó el cine de los 90:

1. Tarantino escribió el guión en Amsterdam con su amigo Roger Avary partiendo de una historia de éste. (De ahí que Vincent Vega supiera tanto de esa ciudad.)

2. TriStar era la productora que estaba en el proyecto, pero cuando leyó el guión no quiso producirlo. (Demasiadas drogas, violencia y bad language.)

3. El guión tenía 160 páginas. Cuando se lo pasaron a Harvey Weinstein dijo: “¿Qué coño es esto? Esto no es un guión, es un listín telefónico.” Lo leyó en un vuelo de Los Ángeles a Nueva York y decidió producirlo. (Según dicen se lo pasó Danny DeVito.)

4. Fue la primera película que produjo Miramax tras ser comprada por Disney. (Quién lo iba a decir, Disney por medio de Pulp Fiction.)

5. En realidad, el personaje de Vincent Vega iba a ser el hermano gemelo de Vic Vega, personaje que interpretaba Michael Madsen en Reservoir dogs. Tarantino lo escribió pensando en el actor, pero éste prefirió trabajar en Wyatt Earp. Siempre se ha arrepentido. (El que no se arrepintió fue Travolta.)

6. Miramax presionó con su propio casting, Daniel Day-Lewis, Holly Hunter o Meg Ryan, fueron algunos de los nombres que se barajaron para los papeles de Mia y Vincent que finalmente interpretaron John Travolta y Uma Thurman. (Menos mal, esta pareja está perfecta.)

7. Uma Thurman no tenía ningún interés en el papel de Mia. Cuenta la leyenda que Tarantino le leyó el guión entero por teléfono. La actriz finalmente aceptó. (Supongo que para que Tarantino se callara de una vez.)

8. John Travolta rebajó su salario y cobró solo 150.000 dólares. (Con lo que ganó después, suponemos que le compensó.)

9. Steve Buscemi tuvo que rechazar el papel de Jimmie por problemas de agenda pero hizo un cameo como el camarero disfrazado de Buddy Holly en el Jack Rabbit Slim's. (Ni cuenta, pero cuando la vuelves a ver ya sí, ahí está Buscemi.)

10. La famosa cita de La Biblia que Jules recita, fue en realidad inventada por Tarantino y el propio Samuel L. Jackson. Solos las dos últimas frases pertenecen a Ezequiel 25:17. (Ahora id a ver Capitán América: Soldado de invierno, Nick Fury visita su propia tumba cuando se le cree muerto, y en ella se puede leer: "The path of the righteous man ..." Ezekiel 25:17., guiños, guiños)

11. La escena del restaurante se filmó en el Hawthorne Grill situado en el 13763 Hawthorne Boulevard, Hawthorne, California. El edificio fue demolido poco después del rodaje. (Así que mitómanos, no intentéis comer allí.)

12. No se compuso banda sonora original para el film. (Solo la música que le molaba a Tarantino.)

13. El Chevelle Malibu de 1964 que conduce Vincent Vega era el coche del propio Tarantino. El coche fue robado durante la producción del film. (Tarantino se pasó años buscándolo.)

14. La famosa escena en la que Vincent le inyecta la adrenalina a Mia fue rodada al revés, Travolta quitaba la jeringuilla del pecho de Mia. (Luego se montó reproducida al revés y todos los flipamos la primera vez que la vimos.)

15. El personaje de Trudi (Bronagh Gallagher) lleva una camiseta del grupo irlandés The Frames. La actriz prometió a su cantante Glen Hansard (su compañero de reparto en Los Commitments) que la llevaría si conseguía el papel en Pulp Fiction. (Larga vida a Los Commitments.)

16. El famoso baile de Vincent y Mia en el Jack Rabbit Slims está inspirado en el que realizan Gloria Morin and Mario Mezzabotta en Fellini 8½. (Por cierto, a Uma Thurman no le gustaba nada la cancioncilla de marras.)

17. La palabra “fuck” se dice 265 veces. (Casi todas salen de la boca de Samuel L. Jackson.)

18. Cronológicamente la última escena de la historia es cuando Butch y Fabienne huyen en la moto. Curiosamente, esa misma moto será la misma que se use en Jackie Brown y en Kill Bill: Volumen 2. (Me encantan esas conexiones.)

19. El libro que lee Vincent sentado en el retrete es Modesty Blaise una novela “pulp” de 1965. (Y habrá alguien que pregunte a qué viene el título de la peli.)

20. Su presupuesto fue de 8,5 millones de dólares más 10 millones que se gastaron en marketing. (

21. Se estrenó en Cannes un sábado a las 00:30 de la noche. Días después ganaba la Palma de Oro. (Así con nocturnidad y alevosía.)

22. Pese a su condición de película independiente y de bajo presupuesto, se estrenó directamente en 1.100 cines en EEUU en octubre de 1994. (Por la puerta grande.)

22. Fue la primera película "indie" que superó los 100 millones de dólares de recaudación en EE.UU. Fue la décima película en recaudación en 1994 a pesar de estar en menos pantallas que sus inmediatas competidoras. (Además, se estrenó en otoño, lo que la hace más meritoria.)

23. En febrero de 1995 recibió 7 nominaciones a los Oscar. Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Travolta), Mejor Actor de Reparto (Jackson), Mejor Actriz de Reparto (Thurman), Mejor Guión Original y Mejor Montaje. Solo Tarantino subió a recoger el único premio que ganó la película, el de Mejor Guión Original. (El de consolación.)

24. El American Film Institute la colocó en el puesto 7 en su lista de las 10 mejores películas de gángsters de todos los tiempos. (Fue uno de tantos en los que se la incluyó.)

25. En 2013, Pulp Fiction fue seleccionada por la Librería del Congreso de EE.UU. para ser archivada en el National Film Registry debido a su importancia cultural, histórica y estética.

¿A que hay ganas de volver a verla?

Clara Campoamor, por Laura Mañá

El 19 de noviembre se cumplieron 85 años de la primera vez que las mujeres pudieron votar en nuestro país. A pesar de tener a prácticamente todo el mundo en contra, fue el empeño de Clara Campoamor la que consiguió que el sufragio femenino fuera una realidad en la España de 1933.

Laura Mañá fue la encargada hace 7 años de llevar este logro a la pantalla, en este caso de televisión, con una estupenda TV movie que narra, de forma concisa, sin aspavientos ni florituras todo el proceso que tuvo lugar hasta que se consiguió una votación favorable al sufragio femenino.

Muchos años tuvieron que pasar para que se le rindiera homenaje a una de las mujeres más importantes de nuestra historia. Por su fuerza de voluntad, su integridad, su esfuerzo y su trabajo. En esta ocasión, será la estupenda Elvira Mínguez la que encarne a Campoamor y la dote de la seriedad y la inteligencia que el personaje se merece, sin perder la humanidad de una mujer, adelantada a su tiempo que tuvo que luchar contra todas las trabas que le ponía la sociedad de entonces a la mujer para lo que echó mano de una personalidad arrebatadora, independiente y de una fuerza casi inquebrantable para enfrentarse a un parlamento en el que las derechas se mofaban y las izquierdas temían que el voto de las mujeres estuviera demasiado condicionado por la iglesia y los maridos.

 

El guión está basado en el libro de Isaias Lafuente, La mujer olvidada, que narra de forma novelada todo este proceso y nos devuelve a esta mujer que murió olvidada en el exilio y para la que ningún homenaje será nunca suficiente.

 

La película, además, se puede ver completa en la web de RTVE.

Undateable Greta

Carta abierta a Greta Gerwig

Cómo empezar. Qué decirte. Lo primero felicitarte por todas las nominaciones que has conseguido para tu película Lady Bird. Estoy deseando verla, aunque en España tendremos que esperar un poco, pues no la estrenan hasta abril. Seguro que es estupenda, y estoy deseando verla. Tú y yo sabemos que solo tienes posibilidades con el Oscar al Mejor Guion Original, tal vez Laurie Metcalf o Saoirse Ronan tengan más suerte. Sí sabemos que ha sido la nominación políticamente correcta, con la que está cayendo en Hollywood, alguna directora tenía que haber, para que nos callemos, más que nada. Sé que, probablemente te lo merezcas y sé que seguramente había por ahí muchas más directoras que también lo merecían, pero te ha tocado a ti. Entiéndeme, migajas las justas. El año que viene, les tocará a otros. Este año has tenido suerte.

Sé que lo sabes, pero también sé que aprovecharás este momento, porque no se da todos los días y aunque sean migajas, hay que comérselas. No sabemos cuándo volverá a suceder. Ójala algún día, las directoras se coman, al menos, medio pastel.

Y sabes otra cosa, que me alegro un montón por ti, porque me caes bien, porque Frances Ha es una de mis pelis favoritas y porque creo que este es el comienzo de algo grande para ti y para los que tenemos la suerte de disfrutar de tu trabajo. Porque la udateable Frances, la patosa Frances, la divertida Frances, se ha convertido en la triunfadora Greta, en la adorada Greta... así, sin hacer ruido. Con calma y sencillez y sobre todo con mucha honestidad. Sí, porque estás aquí para quedarte.

Mucha mierda para el 4 de marzo.

La la land, por los locos que sueñan

Yo empecé a amar el cine a una edad que me resulta demasiado temprana para recordar, pero lo que puedo asegurar es que fue gracias a las películas de la época dorada de Hollywood, con Cary Grant, con Katharine Hepburn y Spencer Tracy, con Bette Davies, con Paul Newman, con James Stewart por citar algunos. Y por supuesto, si amo el cine la culpa la tienen las películas musicales. Que con 12 años prefiriera adorar a Fred Astaire o Gene Kelly antes que a Michael Jackson o a John Travolta, me convertía en bicho raro, pero yo crecí con aquellos musicales fantásticos que me siguen encantando y que veía una y otra vez. Yo siempre me sentía un poco como la Cecilia de La Rosa Púrpura de El Cairo que miraba absorta cómo Fred Astaire y Ginger Rogers se enamoraban bailando Chick to chick de Irving Berlin.

Así que lo más echo de menos en el cine es que no se hagan musicales, porque en los musicales reside toda la magia que el cine nos puede regalar. Porque sí, el cine refleja la vida y la reinterpreta, pero cuando la vida se reinterpreta con música todo cambia. Porque todo lo que ocurre en la vida lo podemos encontrar en el cine, menos a gente cantando y bailando por la calle y por eso la vida es mágica en el cine y por eso, lo mejor para evadirse por unas horas de este mundo aterrador e incierto en el que vivimos es disfrutar de un musical y creer que sí, que se puede bailar en las estrellas. Y por ello cuando algún loco se atreve a hacer un musical irremediablemente tengo que verlo. Al joven director Damien Chazelle le debemos que ahora podamos disfrutar de una película tan memorable como La la land, y a su compositor Justin Hurwitz que podamos disfrutar de una banda sonora que no se puede dejar de escuchar, la pareja responsable de la genial Whiplash. Con talentos así, todavía hay esperanza para el cine.

Sí, como todo el mundo está diciendo, La la land recupera el mejor cine musical, le rinde el mejor de los homenajes posibles y lejos de parecer una película anquilosada en el tiempo por el uso de antiguos recursos como cortinillas o fundidos a negro, la convierte en una película totalmente fresca y actual, donde el más refinado lenguaje audiovisual se pone al servicio de la historia y de su música. No es sólo un musical, es cine del bueno, del que sólo se puede disfrutar en el cine en Cinemascope. La película es una oda al cine clásico y al jazz, porque es puro jazz, porque, en realidad, los musicales de los 30, 40 y 50 eran puro jazz gracias a las composiciones de Irving Berlin, los hermanos Gershwin, Cole Porter o Leonard Bernstein.

Creo honestamente que Fred Astaire estaría orgulloso por cómo están filmados los números de baile, en plano general, sin fragmentar al bailarín en planos cortos, como él exigía, Gene Kelly adoraría el audaz y complejo número con el que abre la película (que parece ser un impresionante plano secuencia) y el homenaje descarado a sus números finales de películas como Cantando bajo la lluvia y un Americano en París.

Se suele decir que falta originalidad en el cine de Hollywood actual, con sus mil adaptaciones, sus vergonzantes remakes y entonces llega un director brillante con un compositor aún más brillante y se sacan de la manga una película preciosa, estilizada, elegante, brillante, melancólica y llena de vida a la vez. Una película que sus protagonistas Emma Stone y Ryan Gosling elevan a lo más alto del cine actual con su carisma y naturalidad, con su pasión y su profesionalidad. La la land se merece todos los premios que pueda ganar en la temporada que ahora comienza (confío en que lo de los Globos de Oro no se quede en anécdota).

Por cierto, estoy deseando volver a verla. Mientras, escucho su música en una especie de sinfin obsesivo.

Bright Star: Y el cine se hizo poesía

Bright Star es, probablemente, una de las películas más bellas que se han hecho en los últimos años. Una película que, lejos de parecer un mero ejercicio estético, vacío y hueco, se convierte, en manos de su directora, Jane Campion, en una historia de pasiones y emociones latentes. Narra la historia de amor entre el poeta inglés John Keats y Fanny Brawne durante los últimos y más prolíficos años del escritor. Sin embargo la historia no aparece contada desde la perspectiva del personaje histórico y famoso, sino desde las vivencias y emociones de ella. El célebre poeta, aparece en escena en relación a ella, apenas un par de escenas, nos muestran a un Keats ajeno a la presencia de Fanny. Nos muestra a través de los ojos de ella  los últimos años de Keats dejándolos de lado y dando protagonismo al primer amor de Fanny Brawne.

3 pelis para la semana

Le Havre - 2011

He de entonar el "mea culpa" porque hasta hace unos días no he visto mi primera peli de Aki Kaurismaki. No sé qué esperaba cuándo me senté a verla pero no lo que vi. He de decir que que quedé gratamente sorprendida, me gustaron los presonajes, me gustó el color saturado que viste de colorido el norte de Francia, me gustó la interpretación teatral y la, igualmente teatral iluminación de los interiores, que confieren a la película el distanciamiento emocional propio de Bretch y que contribuye a que el sentimentalismo no se instale en una historia que tiene todos los papeles, un hombre humilde que acoge a un niño inmigrante al que busca la policía. La historia, se viste así de cuento, en el que los humildes, los que no tienen nada, lo dan todo. Porque quién puede obrar mal cuando mira a los ojos de un niño.


El solista - 2009

Yo no había oído hablar de esta peli, pero si el director es Joe Wright (responsable de Expiación y Orgullo y prejucio) y sus protagonistas son Jamie Foxx y Robert Downey Jr, merecía una oportunidad. Y es es una peli notable, Jaime Foxx es fue un niño prodigio de la música con problemas mentales que termina vagando por las calles de Los Ángeles, Robert Downey Jr. es un periodista buscando la "historia". Se conocen y entonces se obra el milagro, porque estos dos actores demasiado explotados en pelis de acción son buenos, son muy buenos y sus interpretaciones son maravillosas en esta peli de personajes al límite, de almas solitarias y desesperadas perdidas en la gigantesca y despiadada urbe que es la ciudad de Los Ángeles que podría ser esa trampa mortal que te arranca los huesos de la espalda, de la que hablaba la canción.



El árbol de la vida - 2011

Un profesor de la facultad, nos dijo, que los que mejor narraban historias eran los estadounidenses, que ellos habían entendido los ritmos y la estructura mejor que nadie. Y sí, es verdad que una historia made in Hollywood, siguiendo la estructura que el gurú del guion Syd Field estableció, nunca puede ser una película aburrida (otra cosa es que sea mala o no nos guste). Pero, ¿quién dijo que este señor o los productores, guionistas y directores de Hollywood tenían la autoridad para establecer que todas las películas han de contarse de la misma forma? Está el cine, que entretiene, que todo el mundo entiende. Y está el cine que no te lo pone fácil, que te clava en la butaca, que te enfada o que te aburre o que te fascina o implica. Y en esta categoría entra El árbol de la vida, de Terrence Malick. Un director que, en más de 40 años de carrera, apenas ha dirigido 10 películas. Un director que no deja indiferente. El árbol de la vida, aunque tiene momentos de aunténtica abstracción, es fascinante, es bella, es arrebatadora es incómoda. Y merece la pena, aunque a veces, no sepas muy bien qué estás viendo.

3 pelis para la semana

La boda de mi mejor amiga - 2011

Revisionando esta gran comedia, me reafirmo al considerarla una de las películas más divertidas de los últimos años. Y la razón principal es porque es una película gamberra protagonizada por mujeres. Kristin Wiig es una de mis últimas heroínas junto con Tina Fey y Lena Dunham, santuario de actrices que molan, santuario de las mujeres que hacen comedia (ese género tan denostado y tan difícil y tan maravilloso). Todas las actrices/personajes de la peli son excepcionales y algunas de sus escenas deberían de entrar directamente en la historia de la comedia.


Anonymous - 2011

¿Realmente Shakespeare escribió sus obras? Ésa es la premisa de esta película inglesa sobre una tesis muy extendida en el mundo anglosajón que duda de que Shakespeare fuera realmente el mítico escritor. Shakespeare existió, por supuesto, pero no fue más que un actor de tres al cuarto. Cuando te plantean algo así, surge cierto excepticismo, pero si una escucha hablar a Vanessa Redgrave apoyando esta teoría, pues tal vez haya que tenerla en cuenta. Si pensamos que en aquella época muy poca gente recibía una educación de tal nivel como para escribir los textos shakesperianos, que su obra es extensísima y que William probablemente no tuvo acceso a ningún tipo de educación, desde luego el mito cae por su propio peso. Pero, en fin, qué más da cómo se llamara la persona que escribió esas maravillosas obras y sonetos. Desde luego la peli es muy interesante de ver, sobre todo si se es fan de la época isabelina.


9 songs - 2004

Bueno, si Winterbotton firma una película, muy mal tiene que haber hecho los deberes para que no me guste. Su filmografía es de lo más ecléctica pero sólida a la vez y para muestra esta peliculita erótica que narra la historia de una pareja en nueve canciones, nueves escenas eróticas con sexo explícito filmado con clase y estilo. Lo soez no entra dentro de esta historia intimista, en la que sólo caben los sentimientos de un hombre y una mujer y el sexo con el que los expresan. Y como bonus, Michael Nyman interpretando el tema de Nadia de la película Wonderland.

3 pelis para la semana

One day - 2011

¿Puede una historia ser contada en 20 días a lo largo de 20 años? Eso es lo que ocurre en One day, cuya magia está en que sólo mostrando un día de cada año, somos perfectamente capaces de reconstruir los otros 364 días. Porque un único día sirve de muestra para imaginar lo que les está ocurriendo a los personajes y cómo están evolucionando sus vidas. De esta forma, tan impresionista y concisa, asistimos a la historia de amor de Enma y Dexter. Impecable, conmovedora y sexy. Película romántica de notable.

La vida secreta de Walter Mitty - 2013

Todos llevamos un Walter Mitty dentro, porque en mayor o menor medida, quién no ha fantaseado con ser alguien más osado, atrevido y valiente. Quién no ha soñado con decir las verdades que callamos en lugar en las frases convencionales de buena conducta? Quién no ha soñado con pasar de ser pequeñito y anónimo, a protagonizar portadas de revistas. Pues eso es lo que esconde La vida secreta de Walter Mitty, el personaje anodino, convertido en héroe sin saberlo. Creo, sinceramente, que Ben Stiller, se está convirtiendo en un director muy interesante y de vez en cuando lo demuestra con pequeñas películas que, sin pretender ser grandes, nos cautivan. ¿Revisionamos Zoolander o Tropic Thunder?

Gravity - 2013

Gravity cumple su función, entrener. Es algo que la narrativa del cine de Hollywood lleva haciendo desde que nació y que cumplen a la perfección. ¿Se puede no pestañear con prácticamente un personaje en un entorno que no parece que a simple vista vaya a ofrecer mucha acción? Pues sí se puede. Lo ha hecho Alfonso Cuarón como también lo hizo Robert Zemeckis en Náufrago. Cuarón consigue un guión que funciona a la perfección que tiene la dosis justa de aventura, tragedia, emoción. Sandra Bullock se contiene y se pone seria y... ¡sorpresa! Funciona. ¿Si esta película se merecía tantos premios como ganó? Mmm, creo que fueron un poco exagerados.

Melancolía

Lars von Trier debe de ser un hombre muy infeliz y quiere que el resto también lo seamos mientras vemos sus películas. Al menos esa es la sensación que yo tuve después de ver Melancolía. Llevando una vida familiar con películas y entretenimiento "para todos los públicos", con poco tiempo y mucho sueño, no es fácil acabar viendo algo diferente, pongamos una peli de Lars von Trier. Hacía mucho tiempo, desde Bailando en la oscuridad (la crueldad hecha película), y ya tenía ganas de ver algo más, así que, que en La 2 diesen Melancolía me llenó de alegría, jeje.

Tenía ganas de verla, curiosamente, nunca me llamó la atención Dogville o Anticristo y Nynphomaniac no ha entrado en planes, pero Melancolía la tenía ahí lantente. Y claro en el tono más masoquista no defraudó. Cuando terminó me quedé hecha polvo. La película está dividida en dos partes, Justine y Claire, dos hermanas antagónicas, que llenan la película y a las que el planeta Melancolía hechiza de diferente manera. La promera parte, la de la boda de Justine es más dinámica, más dicharachera (si es que podemos utilizar este adjetivo para hablar de una pali así), la segunda parte ya está completamente bajo la influencia del planeta Melancolía. La casa se vacía de invitados y se llena de silencio, de secuencias silentes llenas de poesía. Sin embargo, los diez últimos minutos de la película son hipnotizantes y casi se podría decir que hasta trepidantes.

Siendo fiel a su estilo, Melancolía es de todo menos corriente, es elegante, es visionaria, es poética, es deslumbrante. Sus actores están magníficos, Kirsten Dunst debería mudarse a Europa definitivamente y ofrecernos más interpretaciones como esta (la adoro), al igual de Kiefer Sutherland, verle aquí es darte cuenta de que es uno de los actores más desaprovechados de la historia y por supuesto, Charlotte (Gainsbourg) que es brillante y genial y que está inmensa con esa forma tan emocionante de llorar. Sí está claro que Melancolía me gustó, y me gusta más cuanto más pienso en ella, a pesar de las pesadillas de después y de la mala baba que se me puso por el hecho de que el amigo Lars, siempre me lo haga pasar tan mal.

Drive

Por fin he visto Drive. Tenía muchas ganas de verla. Primero por los actores protagonistas: Ryan Gosling y Carey Mulligan. Segundo porque había oído críticas muy buenas. Tercero porque había gente que la amaba y gente a la que le pareció un bodrio. En mi caso he de decir que ganó lo positivo. No sabía qué me iba a encontrar, la verdad. Hay veces que prefiero no saber de qué va una película para que me sorprenda en todos los sentidos. En este caso la sorpresa fue grata. 

Me cautivó desde el primer momento. Con la escena de presentación del personaje de Gosling, con esa voz en off, sobria, escueta que nos da ciertas pistas de su "oficio". Luego aparece ella, de soslayo, Irene un personaje tierno, dulce sereno interpretada por una de las mejores actrices de su generación, Carey Mulligan. Después el resto del reparto, comenzando por el televisivo e inmenso Bryan Cranston para continuar con Ron Perlman y un irreconocible Albert Brooks. Luego la música, una banda sonora impecable. Después, los planos a cámara lenta, las miradas sutiles, las interpretaciones sólidas y contundentes. Más adelante, la ternura, que nunca llega, ni siquiera se acerca, al sentimentalismo. Y poco a poco llega el romance, casi a la vez que las vísceras y la sangre de las escenas violentas, pero todo muy comedido en el fondo. Y el beso, ese beso potente, desesperado, sexy, apasionado, triste y desgarrado. Por último el final, que no podía ser otro que el que es (no lo desvelaré), amargo, lento y sorprendente. Desde luego, Drive está hecha en Hollywood pero su director, el danés Nicolas Winding Refn, está lejos de los convencionalismos de la meca del cine y en el fondo firma un obra con un timing y una estética más cercana a Europa que a los grandes estudios. Desde luego, Drive no me defraudó, es más me enamoró.

Gracias a Wes, tenemos una nueva PDP

En una industria cinematográfica en la que reinan las adaptaciones de bestsellers, las recurrentes precuelas y secuelas o versiones y revisiones y vuelta a revisionar, en la que todas las comedias románticas terminan igual, en la que los efectos especiales no tienen nada de especial, en la que el 3D marca el desarrollo de la historia, las secuencias o el posicionamiento de la cámara, Wes Anderson surge como el rarito de la clase, el que sobresale por su originalidad y su personalísima forma de contar las historias. Él no quiere parecese a nadie, hace sus peliculitas, sin que le importe el resultado de la taquilla del primer fin de semana o los millones que se puedan hacer con el merchandising. Y por eso me gusta tanto ver sus pelis, porque sé que no se parecerán a ninguna otra que haya en la cartelera, aunque se parecerá a las otras pelis de Wes Anderson, claro. Encontraré a actores ya familiares en sus aventuras, como el eterno Bill Murray o Jason Schwartzman, casi siempre los hermanos Wilson (Luke y Owen) y luego actores geniales que nunca te esperarías como Bruce Willis, Angelica Houston, Tilda Swinton, Frances McDormand o Gwyneth Paltrow. Una estética impecable, con un aire retro, tirando a rancio. Mil detalles que hacen que la película sea una delicia para la vista. Una banda sonora con mucha personalidad y presencia en la historia. Secuencias que rayan el absurdo. Y unos personajes estrafalarios, atípicos, peculiares, totalmente fuera del mainstream establecido.

Y todo eso es lo que encontré en Moonrise Kingdom. Y por eso me gustó, porque aunque no cuenta nada nuevo, el primer amor de dos niños en la pre-adolescencia, sí que lo hace de una forma diferente, arriesgada y sin doblegarse a ningún tipo de cliché establecido. Es una pequeña y deliciosa película de las que me gustan.